La jerarquía se construyó en las academias europeas del siglo XVIII y XIX. El óleo era el medio de la “gran pintura”: escenas históricas, mitológicas, religiosas, retratos de encargo. Cuadros grandes, permanentes, que colgaban en salones y palacios. La acuarela, en cambio, se asociaba a los cuadernos de viaje, a los estudios botánicos y sobre todo, a los bocetos previos al “cuadro de verdad”. Era rápida, portátil, barata. Y precisamente por eso, menor.

Había también un componente de clase y de género. La acuarela era el medio que se enseñaba a las señoritas de buena familia como habilidad social, algo decorativo que complementaba el bordado o el piano. No estaba pensada para formar profesionales, sino para entretener a aficionadas. Mientras tanto, el óleo seguía siendo territorio de gremios, academias y encargos institucionales, es decir, territorio de hombres que vivían de pintar. La etiqueta de “arte menor” no describía solo una técnica: describía quién tenía permiso para ser considerado artista serio.

Y sin embargo, algunos de los mejores pintores de la historia demostraron con sus propias obras que esa jerarquía era artificial. Turner pintó acuarelas de una ambición atmosférica que hoy sigue sin igual, capturando luz y tormenta con una libertad que el óleo de su época apenas permitía. Sargent, en sus años maduros, se pasaba los veranos pintando acuarelas por puro placer técnico, lejos de los retratos por encargo que le daban de comer. Winslow Homer encontró en la acuarela una inmediatez que el óleo no le ofrecía para capturar el mar y la luz de Maine. Ninguno de ellos trataba el medio como un ensayo. Lo trataban como el lugar donde de verdad se atrevían a experimentar.

Lo curioso es que la razón por la que la acuarela se consideraba “menor” es exactamente la razón por la que es tan difícil. No permite corregir (al menos no tan fácil como en óleo o acrílico). No hay capas que tapen un error, no hay forma de repintar encima sin que se note. Cada pincelada es una decisión que tienes que sostener. Eso exige un dominio del valor, del agua y del momento exacto que muchos pintores de óleo, acostumbrados a construir la imagen poco a poco, no habrían soportado. La velocidad no era una limitación del medio. Era, y sigue siendo, su mayor exigencia técnica.

Esa vieja jerarquía ha ido cayendo, pero más lento de lo que parece. Todavía hoy, en muchas ferias de arte y galerías, el óleo se sigue percibiendo como la opción “seria” y la acuarela como algo más cercano al hobby o a la ilustración, aún cuando límites se han superado por completo.

Hay acuarelistas contemporáneas que están llevando el medio a un territorio que hace unas décadas parecía imposible. Julia Barminova pinta el agua y la luz sobre superficies marinas con una fluidez que solo la acuarela permite, precisamente porque el propio medio es agua reaccionando con agua.

Janet Pulcho, por su parte, trabaja flores a una escala monumental, con un nivel de detalle y luminosidad que uno esperaría del óleo, pero que consigue en aguadas transparentes que ningún otro medio reproduce igual.

Las dos pintan como si la técnica fuera, precisamente, lo que les permite llegar más lejos.

A mí me pasa que cuanto más tiempo llevo con el pincel, más me convenzo de que esa supuesta limitación (no poder corregir, tener que decidir rápido) es justo lo que hace que una acuarela tenga una vida que un óleo, con toda su corrección posible, a veces no consigue.

Si te interesa entender el por qué de las cosas, y no solo el cómo, en Patreon es donde profundizo en todo esto. Esta semana vemos cómo crear sombras llenas de luz aplicadas a una escena de balcones, donde la intención es que la sombra deje de ser oscuridad y se convierta en un espacio que sigue respirando color.

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Te deseo una feliz tarde,

Y lo curioso es que no siempre fue así.

Cuando empecé a pintar, el negro era uno de mis colores favoritos. En concreto utilizaba mucho el Tinta Neutra, un color tremendamente práctico que te permite obtener toda una escala de grises, desde un tono apenas perceptible hasta un negro profundo con muy poco esfuerzo.

Era cómodo. Demasiado cómodo.

Cada vez que necesitaba oscurecer una mezcla, ahí estaba. Cada vez que una sombra no tenía suficiente fuerza, recurría a él. Se convirtió en la solución rápida para casi cualquier problema de valor tonal.

Y precisamente ahí estaba el problema.

Antes de continuar, una pequeña aclaración si estás empezando con la acuarela: cuando hablo de negro, también me refiero al gris. Puedes sacar ambos del mismo pigmento; la diferencia está simplemente en la cantidad de agua de la mezcla. Con más agua obtienes gris y con más pigmento, negro más intenso.

El gran riesgo de tener un gris siempre disponible

Con el tiempo me di cuenta de que disponer de un gris preparado hace muy fácil caer en una trampa: oscurecer añadiendo gris en lugar de construir sombras con color.

El resultado suele ser el mismo.

Las acuarelas empiezan a perder luminosidad. Los colores dejan de vibrar. Las mezclas se vuelven pesadas y aparecen tonos embarrados que hacen que la pintura parezca apagada.

Hace un tiempo publique un Reel en Instagram que explicaba este concepto. Fíjate en la diferencia:

No es que la versión de arriba sea errónea; simplemente apaga la pintura y le resta vida a algo que podría ser mucho más vibrante y transmitir mucho más.

Las sombras no son simplemente colores más oscuros.

En la naturaleza están llenas de temperatura, de matices y de pequeñas variaciones. Hay sombras cálidas, sombras frías, reflejos de otros colores… Incluso cuando el valor tonal es bajo, siguen estando llenas de vida.

Por eso no siempre merece la pena perseguir el negro más intenso.

En general, es más interesante conseguir un gris rico que un negro perfecto.

El día que saqué el negro de mi paleta

Hace años decidí eliminar por completo cualquier negro o gris preparado.

No porque sean malos sino porque quería obligarme a mezclar.

Y fue una de las mejores decisiones que he tomado en acuarela.

Sin un gris comodín, cada sombra exige pensar un poco más: ¿qué colores puedo combinar?, ¿cómo puedo enfriar esta mezcla?, ¿qué ocurre si añado un color complementario en lugar de un gris?

Poco a poco empiezas a descubrir grises llenos de personalidad.

Grises ligeramente violáceos. Grises azulados. Grises cálidos.

Grises que conservan la riqueza y los matices de los colores con los que han sido mezclados.

El cambio parece pequeño, pero transforma completamente la pintura.

Las obras ganan profundidad, riqueza cromática y mucha más sensación de luz.

Y, casi sin darte cuenta, esos colores embarrados aparecen cada vez menos.

Entonces... ¿hay que eliminar el negro?

No necesariamente.

Como decía al principio, esta es una opinión muy personal.

Creo que un negro o un gris preparado pueden ser herramientas muy útiles para pequeños detalles finales: un acento absolutamente oscuro, un cable que cruza una escena urbana, una rendija, un balcón en sombra…

Pero, personalmente, intento no utilizarlos en aguadas ni como solución rápida para oscurecer mezclas.

Prefiero que cada sombra conserve algo de color. Porque para mí, ahí está gran parte de la magia de la obra.

Espero que esta reflexión te haya resultado útil y, sobre todo, que te anime a experimentar con otros colores en lugar de recurrir siempre al negro para oscurecer tus mezclas.

¿Quieres aprender a mezclar sombras con mucho más color?

Si quieres profundizar más, En Patreon tratamos precisamente en este tipo de decisiones que marcan la diferencia entre una acuarela correcta y una acuarela llena de vida.

Analizamos mezclas reales, estudiamos teoría del color aplicada, practicamos cómo crear grises vibrantes sin recurrir al negro y vemos todo el proceso de principio a fin mientras pintamos.

Si quieres llevar tus acuarelas un paso más allá, te espero dentro de Patreon.

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Nada mas por hoy :) Que tengas una feliz tarde.

Atte.:

Y como me pasa siempre que veo algo así, mi cabeza empieza a trabajar sola. Antes de darme cuenta ya estoy pensando en cómo lo pintaría. Cuál sería el encuadre. Qué dejaría fuera y qué metería dentro. Qué colores usaría para esa luz…

El problema es que viajar con gente, con un plan compartido, con un ritmo que no es solo tuyo, hace muy difícil pararte a pintar durante horas. No puedes decirle al grupo “esperadme, voy a estar aquí sentado dos horas con la acuarela”. Y al final del viaje solo había dibujado el hotel donde nos alojábamos. Poco más.

Durante un rato eso me frustró. Tenía Ordesa entero delante, uno de los paisajes más espectaculares que he visto en años, y apenas había sacado los pinceles. Me sentía casi culpable, como si hubiera desaprovechado la oportunidad.

Una frustración con origen claro

Llevo tiempo dándole vueltas a esto y creo que esa frustración viene de un planteamiento equivocado desde el principio.

Cuando pienso en pintar en un viaje mi cabeza imagina automáticamente un escenario muy concreto: varias horas libres, sin prisa, buena luz, un sitio cómodo donde sentarme, silencio. Básicamente las condiciones de mi estudio, pero trasladadas a un paisaje bonito. Y ese escenario casi nunca llega cuando viajas con otras personas, con itinerario, con horarios que no controlas del todo.

El error no está en como está planteado el viaje. Está en la expectativa que llevo encima antes de empezar.

Si espero ese momento perfecto, lo más probable es que nunca llegue, y entonces vuelvo a casa sintiendo que he fallado en algo que ni siquiera dependía de mí.

La expectativa era el verdadero obstáculo

Casi cualquier viaje, por intenso que sea el itinerario, tiene huecos. Tiempos muertos esperando un tren, un rato de descanso después de comer o una sobremesa que se alarga. Esos huecos existen casi siempre, aunque no se parezcan en nada al escenario ideal que tenemos en la cabeza.

Ahí es exactamente donde hay que sacar los pinceles. No cuando todo sea perfecto, sino cuando aparezca un hueco real, por pequeño que sea. Treinta minutos son suficientes para un boceto rápido. Cinco minutos son suficientes para anotar unos colores y una composición o incluso una simple idea que luego puedas desarrollar en casa, si quieres.

El cambio de mentalidad es sencillo de explicar pero no tan sencillo de interiorizar: dejar de buscar el momento perfecto para pintar, y empezar a aprovechar los momentos disponibles para pintar.

A a por la obra de tu vida

Aquí está, creo, el punto que de verdad cambió mi forma de verlo.

Sacar el cuaderno en mitad de un viaje con la intención de hacer una gran obra es, casi siempre, un error de planteamiento. Y no lo digo por pesimismo, lo digo por experiencia.

Vas a estar incómodo, probablemente sentado en una piedra o de pie apoyando el cuaderno en una mano. Estar al aire libre va a secar el agua del papel mucho más rápido de lo que estás acostumbrado, así que tendrás menos tiempo para trabajar. No tienes tu mesa, tu luz controlada, tu rutina de trabajo de siempre.

Con todo eso en contra, las probabilidades de que ese boceto se convierta en la mejor pieza que hayas hecho en tu vida son, sinceramente, bajas. Y está bien que así sea.

Sacar los pinceles en un hueco del viaje tiene un valor que no tiene absolutamente nada que ver con el resultado final. Te conecta con el lugar en el que estás de una forma que mirar y hacer una foto nunca consigue. Te obliga a observar de verdad: la dirección de la luz, los colores reales, las formas que tu cerebro normalmente simplifica cuando solo mira de pasada. Activa los sentidos. Te obliga a parar, a estar completamente presente, sin prisa (y sin mirar el maldito móvil). Solo tú y lo que tienes delante.

Cuando terminas, guardas el material y sigues con el viaje. Esa pausa ya ha cumplido su función, independientemente de cómo haya quedado el papel.

Cambia el objetivo

En vez de estar persiguiendo la “gran pieza” cada vez que abres el sketchbook, piensa en términos de bocetos. Usa el sketchbook para lo que fue diseñado originalmente: hacer sketches. En coger el truquillo de pintar al aire libre, que es una habilidad distinta a pintar en el estudio y que solo se entrena practicándola. Aprovecha esos huecos para experimentar con posturas: sentado, de pie, apoyado en una mochila. Prueba paletas reducidas que te obliguen a decidir rápido. Prueba formatos pequeños que se resuelvan en pocos minutos.

Cada uno de esos bocetos rápidos, te enseña algo que no conseguirías quedándote solo en casa. Cómo reacciona tu papel con el viento. Cómo cambia tu percepción del color con luz natural cambiante. Cómo te las apañas cuando no tienes todo bajo control.

Y si de verdad no hay ni un hueco para sacar el material, hay algo que siempre puedes hacer: fotografiar. Un viaje así es el momento perfecto para acumular referencias. No desaprovechemos esa oportunidad. Luego, en casa, con calma, esas fotos se convierten en el punto de partida de futuras acuarelas.

Y aquí va lo más importante de todo: un viaje no es, en el fondo, sobre pintar. Es sobre disfrutar del tiempo con los tuyos. Si surge un rato, sacas los pinceles y aprovechas. Y si no surge, no pasa nada, ya habrá otra montaña, otro valle, otra oportunidad. El cuaderno puede esperar. La compañía, no siempre. No dejes que un hobby que disfrutas tanto se convierta en una fuente de frustración solo porque no has vuelto a casa con la pieza perfecta.

Para terminar

Ordesa me dejó un único dibujo. Pero también me dejó esta reflexión, que probablemente me sirva más a largo plazo que diez bocetos técnicamente perfectos.

La próxima vez que viaje con la idea de pintar, no voy a buscar el momento ideal que probablemente no va a llegar. Voy a aprovechar los huecos que aparezcan, sin esperar que cada trazo sea memorable, sin cargar mi pasión con la presión de demostrar algo.

Si alguna vez has sentido esa frustración de no haber pintado lo que querías durante un viaje, cuéntamelo. Me interesa mucho saber cómo lo gestionáis vosotros, y seguro que no soy el único al que le pasa.

Por cierto, esta semana en Patreon aplicamos en vídeo los conceptos que vimos las semanas anteriores. Un ejercicio completo, paso a paso y a color, de un pueblo mediterráneo. Si quieres ver toda esa teoría puesta en práctica sobre el papel, está en Taller.

--> Enlace a Patreon

Que tengas una feliz entrada del verano. Nos leemos en la próxima

Atte.:

Este fin de semana estuve en Sevilla en una boda. El día anterior encontré un hueco y me fui a pintar a la Plaza de España. Mediodía. 35 grados. A la sombra, pero 35 grados.

No era el momento ideal. Ni la luz ni la hora ni la temperatura eran las que yo hubiera elegido. Pero era lo que había, así que saqué el cuaderno y me puse.

Y ahí, sentado en el suelo con el sudor en la espalda, recordé algo que casi nunca mencionamos: pintar fuera tiene una capa entera de dificultad que no tiene nada que ver con la técnica.

Lo que realmente complica pintar en la calle

Cuando pintamos en casa, en el estudio, sentados en nuestra silla con todo a mano, la única variable es la acuarela. El papel, el pincel, el color. Punto.

Fuera no. Fuera tienes que sentarte donde puedas, a veces en el suelo, a veces de pie, con la luz cambiando, con el sol directo o la sombra moviéndose más rápido de lo que crees. Tu cuerpo está incómodo y tu cuerpo incómodo afecta a tu cabeza.

De repente alguien se para detrás de ti a mirar. Alguien te hace una pregunta justo cuando estabas concentrado en una mezcla. Alguien simplemente pasa y tú, sin darte cuenta, ya estás pensando en lo que están viendo en vez de en lo que estás pintando.

Nada de esto es un problema técnico. Es físico y mental. Y sin embargo determina completamente el resultado, porque una cabeza que no está donde tiene que estar no puede tomar buenas decisiones sobre el papel.

Lo bueno es que la mayoría de estas situaciones pueden anticiparse. Comparto algunas ideas que me han resultado útiles y que, con suerte, también te ayudarán.

1. Conoce bien tu paleta y llévate algo reducido

Cuanto menos tengas que decidir sobre la marcha, menos fricción. Lleva la escena pensada desde casa: los colores que vas a usar, la composición (más o menos), el enfoque general. No se trata de eliminar la espontaneidad del todo, sino de reducir el número de decisiones que tu cabeza tiene que tomar cuando estés en plena faena. Si ya tienes claro con qué vas a trabajar, lo único que queda es disfrutar y pintar.

2. Evita las horas de máxima afluencia

La gente distrae. Mucho, más de lo que pensamos. Mi idea de pintar a pleno sol al mediodía en la Plaza de España era, sobre el papel, una mala idea. Y sin embargo, a esas horas había muy poca gente. Eso me dio una tranquilidad y una libertad total para concentrarme en lo que estaba haciendo.

Si puedes elegir, busca momentos de menos afluencia. No es solo comodidad, es indispensable para que tu cabeza esté donde tiene que estar.

3. Encuentra el setup que funcione para ti

Cada uno tiene sus manías a la hora de pintar y nos gusta tener las cosas colocadas a nuestra manera. Y la única forma de descubrir cuál es tu setup es probarlo en la calle. Sal y experimenta con distintas configuraciones: una paleta de mezclas grande o pequeña, una tabla para sujetar el cuaderno, quizás un caballete ligero. No hay una respuesta correcta, solo la que te haga sentir que tienes el control de tu espacio aunque estés en mitad de una plaza.

En mi caso, salí solo con el sketchbook apaisado (A5), un estuche de acuarelas de bolsillo y un set de viaje con tres pinceles, portaminas y goma de borrar. Un equipo muy limitado, pero suficiente para resolver un dibujo puntual.

4. Controla la prisa antes de que te controle a ti

Estar en la calle, expuesto, con gente alrededor, hace que la prisa se apodere de ti casi sin darte cuenta. Quieres terminar rápido, quieres dejar de sentirte observado, quieres que ya esté hecho. Y esa prisa es enemiga de la acuarela, una técnica que necesita tiempo, calma, capas que se secan a su ritmo.

Cuando noto que ese nerviosismo aparece, paro y respiro. Miro la escena un momento sin pintar, solo para recordar por qué estoy ahí. Si en ese momento alguien se acerca a preguntar, contesto con calma, y casi siempre, en vez de sacarme de la concentración, esa pequeña pausa me ayuda a recuperarla. Me recuerda que no hay ninguna prisa real, que estoy ahí por gusto.

Controlar ese impulso de prisa es quizás lo más difícil de pintar fuera, y también lo más importante. Todo lo demás, la paleta, el horario y el setup ayuda. Pero si la cabeza está acelerada, nada de eso es suficiente.

En definitva

Pintar fuera siempre va a tener estas complicaciones. La diferencia entre que te frustren o que las gestiones bien está en anticiparlas y en recordar, cuando la prisa aparezca, que no hay ninguna prisa real. Con el tiempo, todo esto deja de ser un obstáculo y se convierte simplemente en parte del proceso. Y cuando logras superar esas incomodidades iniciales, descubres que pintar al aire libre es, sencillamente, una de las experiencias más gratificantes que hay.

Todavía hay más

Si te gusta esta Newsletter pero quieres ir más allá, he creado un nuevo nivel en Patreon: Fundamentos. Cada mes, escribo un artículo en profundidad sobre pigmentos, color, técnica, composición, perspectiva, materiales etc. con el tiempo y el detalle que aquí no caben.

En el artículo de este mes: una guía sobre cómo trabajo el color y la temperatura para capturar este tipo de escenas, centrada en la mezcla que uso para superficies con esa calidez tan característica del sur. Échale un vistazo:

Ver articulo completo en Patreon→

Gracias por estar ahí, y hasta la próxima.

Atte.:

Curiosamente, hay algo que veo prácticamente en todos los alumnos que empiezan a pintar con acuarela. No tiene nada que ver con la técnica ni con el talento. Tiene que ver con el miedo.

Ese miedo se nota enseguida en la forma de pintar. En lugar de una pincelada decidida, usan muchas pequeñas. En lugar de utilizar un pincel grande, se escoge uno más pequeño porque parece más fácil de controlar. Se repasa una y otra vez la misma zona intentando corregir cualquier imperfección.

Creo que parte del problema es que muchos principiantes entienden la acuarela como si consistiera en colocar color sobre el papel. Pero la acuarela es agua. Tiene que inundar el papel. Hay que pensar en charcos, en superficies húmedas, en pigmentos que se mezclan. Hay que mojar el papel y atreverse a trabajar con agua, no limitarse a depositar pequeñas cantidades de color intentando mantener el control absoluto.

Es una actitud completamente comprensible, pero suele producir el efecto contrario al que buscamos.

La acuarela castiga el exceso de control

Cuanto más intentamos dominar cada detalle, más rígido suele ser el resultado. Las acuarelas que transmiten frescura y naturalidad casi siempre tienen algo en común: fueron pintadas con cierta confianza, aceptando que no todo iba a salir exactamente como estaba previsto.

También veo ese miedo en la forma de usar los materiales. Muchos alumnos intentan ahorrar pigmento, reservan las mejores hojas de papel para “cuando tengan más nivel” o sienten cierta incomodidad cada vez que utilizan materiales caros para hacer ejercicios.

Y es verdad: el papel de acuarela cuesta dinero. Los pigmentos cuestan dinero. Todo este hobby cuesta dinero.

Pero el papel no está para guardarlo. Está para usarlo. La pintura no está para permanecer intacta en la paleta. Está para gastarse.

Resulta difícil mejorar cuando cada práctica se siente como una pérdida potencial de material. Aprender implica equivocarse muchas veces, y esos errores inevitablemente consumen papel, agua y pintura.

No puedes mejorar intentando protegerte de cada error.

Cada hoja que acaba en la papelera suele estar comprando experiencia para la siguiente.

Sin embargo, el miedo más limitante no suele aparecer en el papel, sino en la forma en la que hablamos de nosotros mismos.

Lo escucho con frecuencia en frases como: “Yo no soy buen@ pintando”, “No tengo talento” o “Nunca llegaré a ese nivel”.

La realidad es que probablemente sea cierto que hoy no pintas tan bien como te gustaría. Pero eso no significa demasiado. Nadie nace sabiendo controlar la humedad del papel, mezclar colores o construir una composición interesante. Son habilidades que se aprenden.

A veces actuamos como si nuestra capacidad estuviera ya definida, como si hubiéramos llegado a una versión final de nosotros mismos. Sin embargo, la experiencia demuestra lo contrario. Somos mucho más moldeables de lo que creemos y capaces de aprender mucho más de lo que imaginamos.

Además, esta forma de pensar no aparece solo en la pintura. La escucho constantemente en todo tipo de ámbitos. “Yo soy tímid@”, “soy torpe”, “soy muy cabezota”, “no se me dan bien las manualidades”. Lo decimos como si fueran características que nos hubieran sido asignadas el día que nacimos y no hubiera nada que hacer al respecto.

Personalmente, soy un firme opositor de esa idea. No porque crea que podamos convertirnos en cualquier cosa de la noche a la mañana, sino porque he visto demasiadas veces a personas cambiar habilidades, hábitos y formas de comportarse que ellas mismas consideraban parte inamovible de su personalidad. Yo estoy entre ellas.

Quizá hoy no seas buen@ pintando. Pero eso no significa que seas “una persona que no sabe pintar”. Significa simplemente que todavía tienes mucho que aprender.

No te olvides de disfrutar

También ayuda recordar algo que a menudo olvidamos: esto tiene que ser disfrutable.

Es fácil terminar una sesión de pintura pensando únicamente en todo lo que no ha salido como queríamos. En las mezclas que no funcionaron, en el efecto que todavía no nos sale… Si siempre ponemos el foco en lo que nos falta, la sensación será que nunca avanzamos.

Intenta fijarte también en lo que has aprendido. Quizá hoy has entendido mejor cómo se comporta el agua. Quizá has hecho una pincelada más segura que la semana pasada. Quizá has probado una combinación de colores nueva.

Todo eso cuenta.

La mejora en acuarela rara vez ocurre de golpe. Suele llegar acumulando pequeños aprendizajes que, vistos por separado, parecen insignificantes. Disfrutar del proceso consiste precisamente en eso: en valorar lo que ya has recorrido en lugar de obsesionarte con lo que todavía no has conseguido.

La próxima vez que te sientes a pintar, prueba a hacer algo diferente. Utiliza un pincel un poco más grande. Carga más pigmento del habitual. Usa más agua. Haz menos pinceladas. Y, sobre todo, permítete estropear una hoja de papel si es necesario.

La confianza no aparece cuando ya sabes pintar. Aparece cuando aceptas que durante un tiempo vas a pintar acuarelas mediocres para poder pintar buenas más adelante.

Y ese proceso, aunque a veces resulte incómodo, es exactamente el camino que siguen todos los acuarelistas que admiras.

Que pases una feliz tarde.

Atte.:

Una de las cosas más frustrantes de la acuarela es terminar una pieza que te encanta… y ver cómo el papel acaba lleno de ondas, quitándole ese aspecto profesional o premium que realmente te gustaría que tuviera.

Especialmente cuando se trabaja sobre algodón y con bastante agua, es muy difícil evitar que el papel se abombe.

Durante mucho tiempo pensé que simplemente era parte del proceso, pero con los años he ido encontrando formas de reducir muchísimo ese efecto y conseguir que, tanto los sketchbooks como las obras individuales queden mucho más planos una vez secos.

Las fibras del algodón absorben agua, se expanden de manera irregular y aparecen las típicas ondas. Algunas zonas reciben más humedad que otras, el papel se deforma…

La buena noticia es que hay una forma MUY sencilla de minimizarlo.

Y no necesitas ninguna herramienta especial.

El truco

Cuando tu obra esté completamente terminada y completamente seca, dale la vuelta a la hoja y humedece toda la parte trasera.

Importante: la humedad tiene que repartirse de forma homogénea. No empapes zonas concretas y evita que se formen charcos. Exactamente igual que si fueras a trabajar la acuarela sobre húmedo después.

Después de eso, cierra el sketchbook y coloca peso encima.

Y cuando digo peso, me refiero a peso de verdad.

En mi caso suelo usar:

• una pila de libros,

• y encima una caja de herramientas pesada.

Ahora quiero que pongas tus ojos al mismo nivel que el sketchbook y compruebes que las hojas quedan prensadas entre sí y el sketchbook vuelve a verse completamente plano. Esto es importante, si no, significa que hay poco peso.

Ahora toca esperar.

El papel necesita varias horas para secarse porque ya no está expuesto al aire libre.

Yo normalmente lo hago por la mañana antes de irme a trabajar y, cuando vuelvo a casa 8 o 9 horas después, ya está listo.

Y la diferencia se nota muchísimo.

Si trabajas con hojas sueltas en vez de sketchbooks, el proceso es exactamente el mismo.

La única diferencia es que puedes colocar el papel entre dos superficies rígidas: plástico, PVC, metacrilato o cualquier superficie no porosa.

También puedes usar cartón duro, aunque no es lo ideal porque el propio cartón absorbe humedad y puede deformarse.

La idea sigue siendo:

1. Humedecer la parte trasera,

2. prensar el papel entre superficies planas,

3. poner peso encima,

4. y esperar a que toda la humedad desaparezca.

Simple, pero cambia muchísimo el acabado final de una acuarela.

La importancia de elegir un buen papel

Aunque esta técnica ayuda mucho, hay algo que marca la diferencia: el papel que utilizas.

El algodón sigue siendo la mejor opción para acuarela. No solo porque absorbe el agua de una forma mucho más homogénea, sino porque también soporta muchísimo mejor este proceso de volver a aplanar el papel después.

Además, cuanto mayor sea el gramaje, menos tenderá a ondularse.

Un papel fino se deformará con mucha facilidad y será más difícil devolverlo a su estado original. En cambio, papeles de mayor gramaje mantienen mucho mejor la estructura y responden muchísimo mejor a esta técnica de prensado y secado.

Así que si quieres mejorar el acabado final de tus acuarelas, que sepas que el papel que eliges también cambia el resultado.

Si quieres profundizar más sobre cómo elegir un buen papel para acuarela, en mi Patreon tengo un vídeo completo dedicado únicamente a eso: tipos de papel, diferencias entre algodón y celulosa, gramajes y cuáles recomiendo según la forma de pintar de cada uno.

Puedes verlo aquí → [Cómo elegir el papel en Acuarela]

Te deseo una estupenda tarde.

Atte.:

Tanto si llevas años pintando como si acabas de empezar, seguramente hayas querido (e intentado) pintar agua.

Nos atrae de forma natural. El mar, un lago en calma, un río… tienen algo hipnótico. Y en nuestra cabeza parece sencillo: unas pinceladas, un poco de azul… y listo.

Pero en cuanto te pones, llega la realidad.

El agua frustra y lo hace porque, sorprendentemente, es más difícil de lo que parecía al principio.

Queremos pintar agua, como si fuese un objeto más. Pero el agua no tiene forma propia. No es una taza, no es una montaña, no es un árbol. El agua movimiento y reflejo.

Y hay algo más.

Cuando pintas agua en acuarela, ocurre una especie de paradoja interesante: el medio y el sujeto son el mismo. Estás utilizando agua para representar agua.

Y eso que al principio parece que juega en tu contra, cuando empiezas a entenderlo se convierte en una ventaja enorme. Porque ningún otro medio puede representar esa fluidez, esas transiciones y esa naturalidad de la misma forma.

Cuando lo dominas, los resultados son especialmente potentes.

Ahí es donde merece la pena insistir.

Hoy quiero ayudarte a cambiar ese enfoque.

1. Las ondulaciones

Las ondulaciones del agua están en constante movimiento. No se quedan quietas el tiempo suficiente como para que puedas analizarlas con calma. Y eso hace que, cuando intentas dibujarlas del natural, todo se vuelva confuso. No consigues fijar una forma clara y acabas improvisando.

El resultado suele ser un patrón artificial, poco creíble.

Por eso te propongo algo muy simple: haz fotos. Muchas fotos.

No una o dos. Muchas.

Cuando tengas un rato tranquilo, vuelve a ellas. Obsérvalas sin prisa. Empieza a buscar patrones: cómo se repiten las formas, qué dirección predominan, cómo se agrupan las ondulaciones.

Fíjate especialmente en la perspectiva.

Esto, aunque pueda parecer trivial, es exactamente el tipo de información que necesitas interiorizar para pintar con criterio.

Como ya he comentado en otras ocasiones, para pintar bien primero hay que saber observar. Y en un sujeto tan cambiante como el agua, apoyarte en fotografías no es hacer trampa: es una herramienta.

De hecho, en este caso, es una de las mejores formas de aprender a ver lo que realmente está pasando.

2. Los reflejos

Este punto que bloquea a mucha gente.

Porque cuando miras agua, no ves agua. Ves árboles, barcos, edificios… todo reflejado y distorsionado.

Un truco útil: olvídate del objeto reflejado por un momento y fíjate en la forma. ¿Es una mancha vertical? ¿Se rompe en segmentos? ¿Se estira? ¿tiene una forma definida, o mas bien borrosa?

En aguas completamente calmadas, los reflejos tienden a ser más verticales y continuos. En aguas movidas, se fragmentan y se deforman siguiendo el patrón de las ondulaciones.

Esa combinación (vertical del reflejo + deformación) es lo que crea credibilidad.

3. El color del agua

Aquí hay que desmontar una idea muy arraigada.

El agua no tiene un color fijo.

La mayoría de veces la vemos azul, sí, pero no porque sea azul, sino porque refleja el cielo. Y aquí es donde entra algo clave: el cielo no es un color plano. El cielo tiene un degradado.

Normalmente es más oscuro en la parte superior y se va aclarando a medida que se acerca al horizonte. Ese cambio es sutil, pero fundamental para aplicar en tus dibujos.

Y el agua hereda ese comportamiento.

Si estás pintando una escena abierta, verás que el agua más cercana a ti suele tener un tono más oscuro, más saturado (fíjate en las fotos que sacaste). A medida que se aleja, ese color se aclara, se suaviza, igual que ocurre en el cielo.

Sin embargo, si llevas tiempo leyendo esta Newsletter intuirás que hay algo más importante aún: el valor tonal (la claridad u oscuridad).

El volumen y la profundidad no los da el color, los da el valor tonal.

Porque al final, es eso lo que construye la sensación de profundidad y lo que da realismo a las ondulaciones. El siguiente punto esta relacionado con este concepto.

4. La relación entre valores tonales

Aquí es donde una acuarela de agua funciona… o se cae por completo.

Si pintas el agua demasiado oscura, pierdes esa sensación de ligereza y transparencia que la caracteriza, y el resultado se vuelve artificial. Pero el error contrario tampoco ayuda: puedes acertar el valor general del agua y, sin embargo, arruinar el conjunto al añadir un reflejo demasiado oscuro. Es algo muy habitual cuando se pintan barcos, árboles o edificios reflejados; ese contraste mal ajustado rompe la coherencia de toda la escena.

Además, hay un aspecto clave que muchas veces se pasa por alto: las propias ondulaciones. Para que funcionen, tiene que existir una diferencia clara entre la cresta (la parte que recibe más luz) y la zona más baja (donde aparece la sombra). Si esa diferencia no está bien definida, la ondulación se aplana y pierde sentido.

En el fondo, todo se resume en relaciones. No estás pintando elementos aislados, estás ajustando cada valor tonal en función de los demás. Cuando este equilibrio está bien resuelto, el agua empieza a tener volumen y naturalidad.

Todo esto no va de memorizar reglas.

Va de aprender a mirar.

La próxima vez que tengas agua delante (mar, río, incluso un charco), no pienses (ni te agobies) en pensar como pintarla. Solo observa:

• ¿Qué forma están tomando las ondulaciones?

• ¿Qué color toma el agua? ¿Varía de color con la distancia?

• ¿Dónde están los contrastes más fuertes? ¿Hay algún degradado?

Cuando empiezas a hacerte estas preguntas, algo cambia. Empiezas a observar de verdad.

Y sin darte cuenta, esa forma de mirar ya te está haciendo mejor pintor/a.

Si este tema te interesa y quieres profundizar de verdad, he preparado una guía completa donde desgloso estos conceptos (reflejos, ondulaciones, color…) junto con un tutorial en vídeo en el que pinto una escena de un velero en el mar explicando cada decisión.

Lo tienes disponible en mi Patreon:

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Sin fórmulas mágicas. Pero con método.

Gracias por estar ahí. Te deseo una feliz tarde.

Atte.:

Es un tema del que no dejamos de oír hablar. A algunos les apasiona. A otros les inquieta. Pero hay algo claro: no deja a nadie indiferente. Y a los artistas, tampoco.

La inteligencia artificial ya está aquí y está irrumpiendo en nuestro campo.

Internet se está llenando de cuentas que muestran supuestas acuarelas creadas por artistas… que en realidad no existen. Lo sorprendente no es solo eso, sino los comentarios: personas felicitando emocionadas un trabajo que nunca fue pintado a mano.

A día de hoy, si has entrenado un poco el ojo, aún puedes distinguir muchas de estas imágenes. Pero cada vez es más difícil. Y eso solo apunta en una dirección:

Llegará un momento en el que será prácticamente imposible diferenciarlas.

De hecho, ni siquiera las propias plataformas lo tienen claro. Las herramientas que etiquetan contenido como generado por IA ya están cometiendo errores e incluso marcando obras reales como artificiales.

Y aquí es donde me hago una pregunta interesante.

Cuando en el siglo XIX apareció la fotografía, ¿Qué pensaron los artistas de la época?

Hasta entonces, la pintura era el único medio para capturar la realidad de forma duradera. De repente, apareció una tecnología capaz de hacerlo con una precisión imposible de igualar. Un retrato fotográfico superaba (en realismo) a cualquier pintura.

Tuvo que ser un momento de incertidumbre. Incluso de miedo.

Pero la pintura no desapareció.

Los artistas siguieron teniendo encargos. Siguieron creando. Y, de hecho, el arte evolucionó. Encontró nuevos caminos. Nuevas formas de expresión que no competían con la realidad, sino que la interpretaban.

Hoy, seguimos aquí.

Y la acuarela también.

Porque hay algo en la pintura y especialmente en la acuarela, que va mucho más allá del resultado final.

Vivimos en la era de la inmediatez. La IA puede generarte cualquier imagen en cuestión de segundos. Lo que imaginas, aparece. Sin espera. Sin error. Sin proceso.

Yo creo que el arte no va de eso.

El arte va precisamente en la dirección contraria.

Va de aprender.

De equivocarte.

De repetir.

De disfrutar el camino.

En un mundo donde todo ocurre al instante, pintar se convierte casi en un acto de resistencia.

Una forma de ocupar tu tiempo con intención.

De frenar.

De volver al presente.

Y también de salir del rebaño.

Mientras la mayoría consume, desliza y genera imágenes en segundos, tú puedes elegir otro camino: parar, observar y crear.

La acuarela es, en ese sentido, una oportunidad. Una oportunidad de desconectar de lo digital y de alejarte del ruido.

De volver a lo manual, a lo artesano.

A hacer algo con tus propias manos, sin atajos.

Si alguna vez has pintado al aire libre, lo sabes bien: no solo estás representando un lugar. Estás conectando con él. Ese momento queda fijado en tu memoria de una forma que ninguna imagen generada puede replicar.

La IA puede generar imágenes.

Pero no puede darte el proceso ni la experiencia.

No puede sustituir lo que significa crear algo con tus propias manos.

En definitiva, el futuro es incierto. No sé si dentro de unos años la mayoría seguirá queriendo crear algo con sus manos, con tiempo y esfuerzo, cuando tenga a un clic una herramienta capaz de hacerlo en segundos.

No sé si el mundo irá hacia lo inmediato… o si habrá un regreso a lo auténtico.

Lo que sí tengo claro es esto:

yo elijo pintar.

Elijo el proceso frente al resultado rápido.
Elijo equivocarme, aprender y volver a intentarlo.
Elijo crear algo que no solo se vea, sino que se sienta.

Y si tú también sientes que necesitas parar, desconectar y hacer algo real con tus manos…

entonces este camino también es para ti.

Gracias por formar parte de esta comunidad.

Te deseo una feliz tarde.

Atte.:

Durante bastante tiempo lo ignoré por completo. No fue hasta aproximadamente un año después cuando empecé a entender que no se trataba de ver menos, sino de ver mejor. Y desde ese momento, se ha convertido en una de las herramientas que utilizo prácticamente cada vez que pinto.

Entrecerrar los ojos al mirar tu imagen de referencia no consiste simplemente en quedarte con lo importante de forma superficial. En realidad, es una forma muy eficaz de simplificar la información visual y obligarte a centrarte en lo que realmente construye una buena pintura: las formas y los valores tonales.

Reducir el ruido para dibujar mejor

Seguro que te ha pasado más de una vez: tienes una referencia delante y, en lugar de ayudarte, te bloquea. Hay demasiados detalles, demasiadas pequeñas formas, demasiada información compitiendo por tu atención. No sabes muy bien por dónde empezar ni qué es realmente importante.

Cuando entrecierras los ojos, toda esa información secundaria desaparece casi por completo. Los detalles se diluyen y lo que queda son las grandes masas, las formas principales que realmente estructuran la imagen. Esto te permite centrarte en proporciones, en relaciones entre elementos y en la coherencia general de la escena sin distraerte con lo accesorio.

De hecho, podríamos decir que lo que ves en ese estado representa la mayor parte de lo que hace que una pintura funcione. El resto sigue ahí, pero deja de tener prioridad. Y eso te da una guía muy clara sobre dónde poner tu energía.

Luz por encima del color

El verdadero salto ocurre cuando pasas del dibujo al color. En ese momento es muy fácil perderse, porque el color es tremendamente atractivo y también muy engañoso. Nos hace dudar constantemente: si este verde es demasiado frío, si este rojo no encaja, si debería añadir más saturación…

Sin embargo, cuando entrecierras los ojos, no solo desaparecen los detalles, sino que el color pierde protagonismo de forma natural. Nuestro ojo es mucho más sensible a la luz que al color, así que lo que empieza a destacar con claridad son los valores tonales: dónde está la luz, dónde están las sombras y cómo se organizan.

Y esto es clave, porque una pintura funciona principalmente por sus valores, no por sus colores. Puedes acertar completamente con la paleta y aun así tener una obra que no se sostiene si los valores fallan. En cambio, cuando los valores están bien resueltos, incluso colores más simples o menos precisos funcionan sorprendentemente bien.

Entrecerrar los ojos te da precisamente esa ventaja: te ayuda a tomar decisiones mucho más acertadas sobre la estructura de la luz en tu obra.

Es posible que las primeras veces no le veas demasiado sentido. Puede resultar incómodo o incluso parecer inútil, porque no estás acostumbrado a mirar así. Pero como cualquier herramienta, mejora con el uso. Poco a poco empiezas a identificar valores con más facilidad y a trasladar esa claridad a tu pintura incluso cuando no estás entrecerrando los ojos.

Ojo, no se trata de trabajar medio a ciegas, sino usar esto como una herramienta puntual de decisión. Antes de aplicar una pincelada, miras tu referencia, entrecierras ligeramente los ojos durante un momento y te preguntas: ¿qué valor tiene esta zona que voy a pintar?

Si quieres ir un paso más allá

Si sientes que tus acuarelas no terminan de funcionar y no sabes exactamente por qué, en muchos casos el problema no está en el color, sino en cómo estás interpretando la luz.

En Patreon trabajamos precisamente eso en profundidad: hacemos análisis claros de valores tonales, vemos ejemplos reales y planteo ejercicios paso a paso para entrenar el ojo y entender qué está fallando en cada caso. La idea es que no solo mejores una obra concreta, sino que desarrolles un criterio que puedas aplicar siempre.

Si te interesa tomarte la acuarela un poco más en serio y dejar de depender tanto del ensayo y error, te dejo el acceso para que puedas verlo por dentro.

Te deseo una feliz semana.

Ander V.

Ver tutorial completo en Patreon

Si alguna vez has intentado pintar vegetación, seguramente lo has notado: el verde es un color sorprendentemente difícil de acertar.

Y si tus verdes en acuarela se ven artificiales o demasiado intensos, no es casualidad.

Y hay una razón para ello.

Nuestro ojo es especialmente sensible a las longitudes de onda que percibimos como verdes. Durante miles de años distinguir pequeñas variaciones de verde era crucial para reconocer plantas, alimentos o cambios en el entorno. Como resultado, nuestro sistema visual se volvió extraordinariamente bueno detectando matices en esta parte del espectro.

Esto tiene una consecuencia muy curiosa cuando pintamos:

notamos enseguida cuando un verde es raro, artificial o demasiado intenso.
Un verde mal mezclado canta más que otros colores.

A esto se suma otra dificultad. Los verdes que salen directamente del tubo rara vez se parecen a los que vemos en la naturaleza. Suelen ser demasiado artificiales o demasiado saturados.

En el paisaje real, en cambio, los verdes casi nunca son un único tono. Siempre hay pequeñas variaciones: un poco más cálidos, un poco más fríos, ligeramente influenciados por los colores que los rodean.

Por eso muchos pintores han preferido construir sus verdes a partir de otros colores en lugar de usar un verde puro.

Por ejemplo, existen registros que demuestran como artistas del calibre de Claude Monet o Paul Cézanne exploraban constantemente variaciones dentro de los verdes de sus paisajes, combinando amarillos, azules y otros tonos para crear vibración y naturalidad.

En acuarela ocurre algo parecido.

Las sombras verdes funcionan mejor cuando mezclas amarillos y azules con distintas temperaturas.

Pequeñas variaciones en la mezcla cambian completamente el resultado.

Mini-experimento práctico

Para explorar el verde por ti mismo, crea tu propia matriz de verdes:

1. Toma los amarillos que tengas (idealmente usa tanto cálidos como fríos).

2. Haz lo mismo con tus azules (cálidos y fríos, si los tienes).

3. Mezcla cada amarillo con cada azul y observa los diferentes verdes que obtienes.

4. Compara estos verdes entre sí. También con los que tienes en tus tubos: ¿Cuáles se acercan más a los verdes naturales? ¿Cuáles son demasiado intensos o artificiales?

Si te fijas en esta imagen , el verde de la parte inferior se percibe artificial y poco natural, mientras que los de la parte superior tienen mucha más credibilidad.

Este ejercicio te permite entender algo clave: la temperatura del color es lo que te ayuda a decidir qué verdes usar en cada escena y qué combinaciones evitar si no quieres que se vean artificiales o apagados.

Por eso, en el estudio que he subido este mes en Patreon, me centro justo en esa parte: no solo en qué mezclar, sino en cómo usar esas mezclas dentro de acuarelas reales.

Incluye:

• escalas de amarillos y azules (de fríos a cálidos)

• combinaciones concretas entre ellos

• ejemplos aplicados en paisaje

Si quieres profundizar en este tema y empezar a controlar mejor tus verdes, lo tienes ahí.

Enlace a Patreon

Gracias por leerme hasta aquí.

Un abrazo.

Hay algo que veo constantemente cuando observo acuarelas de principiantes y que me recuerda a la forma de trabajar que empleaba cuando empecé.

La mayoría de las pinturas están hechas casi completamente sobre papel seco.

Detalles, capas… todo muy controlado.

Y tiene sentido. Pintar sobre seco es mucho más predecible. Sabes exactamente dónde va a caer el pigmento y hasta dónde va a llegar la pincelada.

Sin embargo, si pintas siempre así, te estás perdiendo gran parte el potencial que ofrece la acuarela.

El verdadero poder de este medio está en la técnica de húmedo sobre húmedo.

Los degradados que se pueden lograr y la manera en la que los pigmentos se mezclan entre sí son muy difíciles de conseguir con otros medios.

Por eso esta newsletter es una pequeña defensa del húmedo sobre húmedo.

Tengo la sensación de que mucha gente evita usarlo por dos razones.

La primera es la falta de control.

Si cada vez que intentas trabajar sobre húmedo aparecen coliflores o el pigmento se descontrola, es normal que acabes evitándolo. Pero al hacerlo también estás evitando una de las partes mágicas de la acuarela.

La segunda razón es más curiosa: no saber cuándo usarlo.

Una forma sencilla de pensarlo es esta:

Si un elemento no tiene esquinas o debería quedar fuera del foco principal, probablemente funcione mejor en húmedo sobre húmedo.

Ejemplos prácticos

En el ejemplo de la izquierda decidí pintar las montañas sobre seco, lo que creó unos bordes claros y definidos. Se ve perfectamente dónde empieza y termina cada montaña. Aunque funciona, creo que la escena habría ganado fuerza y credibilidad si las hubiera pintado sobre húmedo, de manera que el foco se centrara más en la casita y el árbol.

En el ejemplo de la derecha, el fondo sugiere que hay una zona montañosa, pero apenas tiene detalle. Esto dirige la atención hacia la gasolinera y el coche, los elementos realmente importantes de la escena. Este tratamiento aporta una profundidad enorme al conjunto de la obra.

Otro ejemplo son las nubes:

En el ejemplo de la izquierda, la nube y sus sombras interiores están hechas sobre seco. Esto da una representación más agresiva de las nubes y, sin duda, dirige la atención del espectador hacia esa zona. No creo que sea un error, pero es importante saber hacia dónde irá la mirada si usas esta técnica.

En el ejemplo de la derecha, las nubes han sido realizadas sobre húmedo, lo que aporta más armonía y cohesión a la obra sin robar protagonismo a lo realmente importante: el puente.

Si quieres profundizar en esta técnica, ayer publiqué un tutorial completo en Patreon donde la explico paso a paso con 8 ejercicios prácticos: degradados, nubes, fondos desenfocados y paisajes.

Ver el tutorial completo en Patreon

Gracias por leerme hasta aquí.

Nos vemos en dos semanas :)

Atte.:

Hay una costumbre a la que vuelvo cada vez que paso por Madrid: perderme en El Rastro los domingos. Sin prisa. Es un lugar extraño y fascinante a partes iguales. Un museo improvisado de las cosas que alguna vez fueron importantes para alguien y que hoy esperan una segunda oportunidad sobre una mesa plegable.

Entre muebles viejos y libros subrayados por desconocidos, hay algo que siempre me llama la atención: la cantidad de vida acumulada en forma de cosas. Cachivaches, en su mayoría antiguos. Restos materiales de decisiones, aficiones, modas y rutinas que, con el tiempo, dejaron de tener sentido para quien las guardaba.

La última vez me encontré con algo que me detuvo. Una caja llena de consolas antiguas, Game Boys y las primeras cámaras digitales. Hoy se venden como vintage. Hace no tanto, eran parte de mi día a día. Yo jugaba con ellas. Les dedicaba horas. Me entretenían, me absorbían, me hacían perder la noción del tiempo.

Y ahí me di cuenta de algo.

Todo ese tiempo invertido no dejó huella.

No hay nada que pueda señalar y decir: “esto lo hice yo”.

De la Play solo queda un recuerdo difuso de pantallas que intentaba pasar.

De la Game Boy, la sensación de haber matado tardes enteras.

De aquellas cámaras digitales, probablemente ni siquiera queden las fotos: se perdieron con el ordenador de entonces, como se pierden tantas cosas cuando no sabemos que algún día querríamos conservarlas.

No es una crítica a jugar, ni a descansar, ni a desconectar. Es otra cosa.

Es la sensación de haber dedicado energía a algo que, con el tiempo, se volvió invisible incluso para mí.

Y me dio pena.

Porque fueron pasatiempos que no dejaron rastro. Hobbies que se consumieron en el momento y se evaporaron después. No construyeron nada que pudiera volver a tocar años más tarde. No dejaron una marca en el mundo físico que me devolviera a quien yo era entonces.

En un mundo cada vez más digital, cada vez tiene más sentido volver a hobbies que dejen huella. Actividades donde mano y mente conviertan el tiempo en algo tangible mediante el aprendizaje. Algo que exista fuera de la pantalla y de la memoria.

Carpintería.

Artes plásticas.

Cerámica.

Dibujo.

…

Cualquier forma de crear con las manos.

No porque sean mejores hobbies, sino porque nos devuelven algo que el consumo rápido no nos da: la sensación de haber creado en lugar de solo haber pasado por ahí. La experiencia de ver cómo algo que no existía empieza a existir gracias a ti. Aunque sea imperfecto. Aunque no sea bonito. Aunque solo tenga valor para quien lo hizo.

Me gusta pensar que dentro de unos años podré mirar una obra creada por mí y sonreír. Ver con ternura lo que mi mente de aquel entonces fue capaz de imaginar utilizando sus manos. Recordar no solo lo que hice, sino quién era cuando lo hice. Qué me preocupaba. Qué me emocionaba. Qué me costaba.

Crear deja un rastro de nosotros mismos en el tiempo.

Y hay una imagen que siempre vuelve cuando pienso en esto. Cada vez que abro el sketchbook y me topo con el dibujo del Coliseo de Roma, regreso automáticamente a aquella escena. A mi alrededor, los turistas reían, hablaban idiomas distintos, disfrutaban de sus vacaciones. Yo estaba allí, sentado, observando, intentando atrapar con un lápiz una escena que sabía que iba a desaparecer en minutos.

Ese dibujo no es una obra maestra.

No está colgado en ninguna pared.

Pero existe.

Y existe porque yo estuve allí, presente, creando en lugar de solo mirar.

A veces creo que de eso va todo esto: de elegir, cuando se puede, dejar una pequeña huella en vez de desaparecer del todo en el consumo de momentos que no vuelven.

Gracias.

Esta semana en Patreon

En el artículo de esta semana vemos cómo crear tu paleta de acuarela desde cero: qué colores elegir y qué elementos debes tener en cuenta para que no le falte de nada.

Ideal si quieres dejar de probar al azar y empezar a pintar con más intención y seguridad.

Enlace a Patreon

En la próxima Newsletter volvemos a la acuarela, pero centrándonos en un color especialmente complicado de tratar: por qué suele ensuciarse, cómo usarlo sin que apague el resto de tu pintura y qué trucos puedes aplicar para que juegue a tu favor en lugar de arruinar tu obra.

Gracias por estar aquí y por seguir creando con tus manos.
Nos leemos muy pronto 💛

Atte:

Practiqué mucho, leí un montón de libros y me apunté a academias online. Seguí a muchos artistas en Patreon, algunos auténticos referentes para mí.

Con el tiempo entendí todo lo que aprendí de ellos. Ver la acuarela a través de los ojos de otros artistas me abrió la mente y me dio nuevas ideas.

Sin embargo, hubo algo que se repetía tanto en la bibliografía como en las frases de los expertos. Una especie de dogma no escrito, defendido por gurús de la vieja escuela, que dictan (con sorprendente seguridad) cómo debía usarse este medio.

Según ellos, la acuarela legítima es fluida y sugerida. Manchas rápidas, pinceladas ligeras, nada de detalle excesivo.

Trabajar con más control, capas, precisión, incluso acercarse a un lenguaje más cercano al óleo parece quedar automáticamente relegado a una categoría menor. Como si esas obras no valieran. Como si, si no pintas así, no fueras un buen acuarelista.

Y lo confieso: este planteamiento me irrita.

Porque el arte no son matemáticas. No es un sistema cerrado de reglas que haya que obedecer para obtener un resultado correcto. El arte es, precisamente, el territorio de la curiosidad, de la exploración y de la búsqueda.

Un espacio donde experimentar sin pedir permiso.

Y te hablo desde mi experiencia: yo vengo de la ingeniería, donde sí existe una manera correcta de hacer las cosas, donde todo se analiza, se calcula y se busca la solución correcta.

Precisamente por eso encontré en el arte ese lugar donde improvisar y ser libre, sin tener que plantearme cada cosa de forma analítica como hago durante 8 horas al día.

Seguramente esta sea una de las razones por las que tú también disfrutas de pintar.

Por eso hoy quiero defender algo muy simple, pero muy potente:

trabaja la acuarela a tu manera.

Esto no significa ignorar a los demás ni pintar en una burbuja. Todo lo contrario. Aprender de otros es, probablemente, una de las mejores formas de crecer. Observar, estudiar, probar. Quedarte con lo que te conmueve y descartar lo que no conecta contigo. Incorporar técnicas que te han cautivado y dejar atrás aquellas cuyos resultados no te representan.

Nada de lo que pruebas es tiempo perdido.

Lo peligroso no es aprender de los maestros, sino permitir que algunos se conviertan en jueces. Que su discurso te haga dudar, te limite o te haga sentir que estás pintando mal cuando, en realidad, estás explorando tu propio lenguaje.

No dejes que estos gurús te cohíban a la hora de pintar.

Y ojo, que también hay grandes artistas que se saltaron estas “reglas” y crearon su propio camino. Ahí tienes a Thierry Duval como ejemplo. Un auténtico fenómeno:

Por tanto, mi recomendación de hoy es que te unas a esta especie de resistencia, y te alejes del ruido, de las etiquetas y de las sentencias categóricas.

Esto no va de cumplir expectativas ajenas.

Va de expresión.

Va de exploración.

Va de encontrar placer y sentido en lo que haces con el pincel.

La acuarela no necesita permiso para ser lo que tú quieras que sea.
Y tú tampoco.

Una cosa más…:

Acabo de abrir mi página de Patreon hace un rato 😊
Y tú eres de las primeras personas en enterarte.

Es un espacio para quienes queréis explorar la acuarela conmigo de una forma más profunda y sin dogmas: procesos completos, ejercicios guiados, decisiones reales (con aciertos y errores) y contenido que no comparto en redes.

El Patreon tiene un precio de unos 15 € al mes (IVA incluido) y te da acceso a todo esto.

He preparado un vídeo corto donde explico bien qué hay dentro y para quién es:

Llevaba semanas preparando este lanzamiento y me hacía especial ilusión contártelo primero por aquí, antes de decir nada en redes.

ENLACE A PATREON

PD: Si vas a apuntarte y tienes un iPhone, hazlo desde el navegador (ordenador o Safari). Al suscribirse desde la app de iPhone, Apple añade y se queda con una comisión extra.
Una vez hecha la suscripción, puedes usar la app sin problema.

Gracias por formar parte de este proyecto. Me encantará verte por allí.

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Aquellos dibujos aparecían sin pedir permiso. Pasaban de la mente al papel de forma directa, impulsiva, sin reflexión previa. Dibujar era una extensión natural de pensar.

Muchos años después, cuando empecé a tontear con la acuarela, repetí exactamente el mismo patrón. Jugar con el pigmento, probar mezclas, mojar el papel sin una idea clara. Pintar por el simple placer de ver qué pasaba.

Y fue necesario. Esa etapa me ayudó a perder el miedo, a entender el material, a aceptar el error y a disfrutar del proceso sin expectativas.

Pero con el tiempo he llegado a una conclusión clara, y cada vez estoy más convencido de ella:

tu obra no empieza cuando mojas el pincel. Empieza mucho antes.

La acuarela no perdona la improvisación. El tiempo juega en tu contra, el agua manda y los errores no siempre se pueden corregir. Puedes improvisar, sí, pero improvisar sin estructura suele acabar en frustración.

Por eso hoy planifico. Y te recomiendo que tú también lo hagas.

Antes de pensar qué dibujar, hay preguntas que requieren respuesta:

¿Quién es el protagonista de la escena?

¿Dónde quieres que se detenga la mirada?

¿Qué quieres transmitir realmente?

¿Calma, silencio, paz?

¿O tensión, dramatismo, agitación?

Estas preguntas son la base de cualquier buena composición. Sin ellas, todo lo demás es decorativo.

Una vez tienes los elementos situados en tu escena a lápiz, empieza la segunda fase de decisiones. Y aquí es fácil fallar.

¿Cómo refuerzas esa emoción a través del color?

¿Buscas dramatismo con contrastes fuertes o colores más estridentes?

¿Necesitas armonía usando gamas análogas y una luz cálida que envuelva la escena?

¿Quieres que el espectador sienta frío, distancia, calma o recogimiento?

El color no es solo bonito. Es narrativo.

Si necesitas destacar un elemento concreto sin que el resto robe protagonismo, la acuarela también te da herramientas:

el control de los valores, la simplificación del fondo, el uso inteligente de colores complementarios, la desaturación...

Nada de esto ocurre por accidente.

Todo se decide antes de tocar el pincel.

La acuarela parece espontánea. Y en parte lo es.

Pero las obras que funcionan casi nunca son fruto del azar.

Recuerda esto:

tu obra comienza mucho antes de ponerte a pintar.

Planifica. Decide. Y cuando todo esté claro, entonces… deja que el agua improvise.

Gracias por leerme hasta aquí.

Y si alguna vez te has planteado apuntarte a una academia de acuarela online, me encantaría que rellenases el cuestionario que encontrarás a continuación. Todo vuestro feedback me ayuda a entender mejor vuestras necesidades y a crear contenidos que realmente os aporten valor.

→ [Rellena el formulario]

Gracias por tu paciencia :)

Vivimos conectados. Todo el día, todo el rato. Del móvil al ordenador, del ordenador a la tele, y de vuelta al móvil. Reels, series, vídeos, notificaciones. Una pantalla siempre delante.

Y es fácil olvidarlo, pero no siempre fue así.

¿Cuándo fue la última vez que pasaste dos o tres horas haciendo algo sin mirar el móvil? De manera concentrada. En silencio. Sin interrupciones. No pasa tan a menudo como nos gustaría.

Nuestra forma de entretenernos ha cambiado: ahora es pasiva. Vemos cosas, nos dejamos llevar. Nos entretiene pero nos emboba. Y sobre todo: nos vacía.

Te das cuenta cuando haces lo contrario.

Cuando, por ejemplo, te sientas a pintar.

Pintar en acuarela se siente diferente.

No es solo un hobby. Es una forma completamente distinta de pasar el tiempo. Es entretenimiento, pero activo. Te obliga a estar presente. A concentrarte. A usar las manos.

A equivocarte y a probar.

Y en ese proceso hay una satisfacción que no se parece a la de ver una serie.

Porque no estás consumiendo. Estás creando.

Y ves el resultado delante de ti.

No importa si llevas años pintando o si no has cogido un pincel en tu vida. La acuarela es un medio imperfecto. El agua hace su parte, tú haces la tuya.

Aprendes a soltar el control.

Aprendes a aceptar el error.

Aprendes a mirar con más atención (como ya hablé en la pasada Newsletter).

Además, el progreso se ve rápido: los cuadernos se llenan, las páginas mejoran, tu mano se vuelve más segura. Es un aprendizaje pausado pero muy gratificante.

Y no necesitas apenas nada: pincel, papel, color y un poco de tiempo.

Eso es lo que ofrece un hobby como la acuarela:

un rato solo para ti, sin prisas ni pantallas.

Un espacio donde concentrarte, aprender, disfrutar, y ver cómo algo bonito sale de tus propias manos.

Y si te interesa empezar —o seguir aprendiendo—, por aquí hablo mucho de eso.

Te enseño materiales, técnicas, formas de practicar, errores que evitar.

Y dentro de poco, habrá mucho más.

Un espacio más tranquilo y más profundo para aprender acuarela, sin prisas y sin ruido.

Dentro de poco abriré mi Patreon, que no es solo una academia ni una colección de vídeos sueltos. Es un lugar para aprender, practicar y compartir, todo en un mismo sitio.

¿Qué encontrarás ahí?

— Posts en vídeo, grabados con la máxima calidad posible, para que veas el proceso con claridad y sin cortes.
— Guías paso a paso, para practicar a tu ritmo y volver a ellas siempre que quieras.
— Teoría explicada sin complicaciones, para entender el porqué de lo que haces.
— Reflexiones e investigaciones sobre acuarela, proceso creativo y forma de aprender.

Todo estará disponible desde cualquier lugar y a cualquier hora, con acceso cómodo desde móvil, tablet u ordenador, porque queda grabado y perfectamente organizado.

Si te apetece un lugar así —calmado y práctico —, pronto te contaré más.

Mientras tanto, si te apetece, puedes rellenar este pequeño formulario.
Me ayudará a entender mejor tus inquietudes, tus necesidades y qué te gustaría aprender o profundizar en acuarela, para construir este espacio de la forma más útil posible para ti.

→ [Rellena el formulario]

Gracias por estar ahí.

Atte:

No hay dudas ni matices. El color se identifica rápido y se aplica sin cuestionarlo. Y esto no es un error: es la forma más pura e intuitiva de empezar a pintar.

Curiosamente, cuando comenzamos a pintar acuarela de adultos, muchas veces volvemos a ese mismo punto. Nuestro ojo todavía no está entrenado y, aunque tengamos más control técnico, nuestras obras suelen llenarse de colores intensos, saturados y demasiado limpios.

El resultado: dibujos llamativos, sí… pero poco creíbles.

Esto no sucede porque no sepamos pintar.
Sucede porque todavía no hemos aprendido a observar.

Al principio, nuestro ojo funciona de manera simple. Azul es azul. Verde es verde. Gris es gris. Pintamos lo que sabemos que hay, no lo que realmente vemos. Por eso nuestros primeros trabajos recuerdan, en cierta forma, a los dibujos infantiles: colores puros, vibrantes y sin mezcla.

Pero cuando empiezas a observar de verdad, algo cambia.

¿Es el cielo simplemente azul?

Si te detienes unos segundos, descubrirás que el cielo casi nunca es un color plano. En un día despejado hay un degradado evidente: más oscuro en la parte superior y cada vez más claro hacia el horizonte. Pero lo más interesante no es solo el cambio de valor tonal, sino el cambio de color.

Arriba, el azul suele acercarse al ultramar.
En la zona media se vuelve más cobalto.
Y cerca del horizonte aparece un cerúleo suave, casi blanco.

Nada es puro. Todo está mezclado.

Y este mismo fenómeno se repite en todo lo que te rodea.

Una piedra en un parque parece gris… hasta que la miras de verdad. Entonces empiezan a revelarse los matices: ocre, siena natural, siena tostada, ámbar, reflejos fríos, toques azulados. Incluso dentro de una misma piedra conviven varios colores, valores y temperaturas. Lo que a simple vista parece apagado es, en realidad, un entramado sutil de variaciones.

Ahí llega una comprensión clave:
la realidad está mayoritariamente construida a base de colores apagados y desaturados, pero lejos de ser pobres o monótonos, están llenos de matices, transiciones delicadas y riqueza cromática.

Con el tiempo, tu ojo se entrena casi sin que lo notes. Empiezas a ver matices donde antes no los había. Y, quizás lo más importante, empiezas a darte cuenta de que la mayoría de los colores que te rodean no son brillantes ni estridentes.

Lo que antes llamabas amarillo, ahora es un beige, un ocre o un amarillo roto.
Lo que antes era rojo, ahora es una siena tostada.
Y lo que antes era simplemente azul, ahora sabes si es cobalto, ultramar… o una mezcla suavizada.

Es aquí es donde la acuarela da un salto de calidad.

Cuando empiezas a mezclar los colores, apagarlos y desaturarlos, tus dibujos se transforman. Al reducir la intensidad, al ensuciar ligeramente el color, al alejarte del pigmento puro, tus obras se vuelven mucho más creíbles y cercanas a la realidad.

Menos colores limpios.
Más mezcla.

Que un tejado tenga matices rojizos no implica que sea rojo, ni que una sombra azulada sea azul. Esto se aprecia en el dibujo inferior derecho, donde este error da lugar a una representación menos realista de la casita. En cambio, al trabajar con mezclas de color y combinar tonos cálidos y fríos, se obtiene una versión mucho más realista.

Apagar el color no significa quitarle vida al dibujo. Significa darle verdad. Significa pintar lo que realmente ves y no lo que crees que debería estar ahí.

La acuarela no solo te enseña a pintar mejor.
Te enseña a mirar mejor.

Y cuando aprendes a ver el mundo como realmente es —lleno de tonos suaves, apagados y llenos de matices—, tus acuarelas empiezan a respirar realidad, profundidad y emoción.

Ese es el camino.

Todo esto que te acabo de contar no es teoría suelta.
Es exactamente el enfoque que voy a enseñarte paso a paso en la membresía de acuarela que estoy preparando.

Ahí trabajaremos cómo entrenar el ojo, cómo detectar matices, cómo mezclar y apagar el color con intención, y cómo llevar tus acuarelas a un nivel mucho más real y expresivo.

Pero antes de abrirlo al público, quiero escuchar.
Conocerte un poco mejor y entender en qué punto estás ahora mismo con la acuarela, qué te frena y qué te gustaría aprender.

He preparado un breve formulario para ello.
Leer tus respuestas me ayudará a enfocar la membresía con calma y a crear contenidos que realmente te acompañen en tu proceso.

👉 Si te apetece participar y dejar tu huella en el proyecto desde el inicio, este es el lugar.

→ [Rellena el formulario]

Gracias por estar aquí. Te deseo lo mejor para este 2026.
Un abrazo.

Si no lo sabías, cada diciembre el Pantone Color Institute, una de las mayores autoridades mundiales del color, elige una tonalidad que marcará el año siguiente. Esta elección no responde solo a criterios estéticos, sino que busca reflejar tendencias culturales, sociales y emocionales del momento.

El color elegido para 2026 es PANTONE® 11-4201 TCX · Cloud Dancer, un blanco suave.

Al conocerlo, tuve claro el tema de la newsletter de hoy: el blanco en acuarela.

Si llevas tiempo trabajando con acuarela, o si acabas de empezar, ya sabrás que el blanco en este medio es especial. En acuarela el blanco no se pinta, se respeta. Un espacio sin pigmento se convierte en un reflejo, en el punto de mayor luz del dibujo. Pero hoy quiero ir un paso más allá y reflexionar sobre cómo pintar objetos blancos sin que pierdan vida ni volumen.

Cuando pintamos una flor, un jarrón o una fachada blanca, no basta con dejar el papel sin tocar. Un objeto blanco tiene sombras, textura y profundidad, y eso se construye con color.

1. Mucha agua y poco pigmento

Puede parecer obvio, pero es fundamental. Para que algo parezca blanco en acuarela, la mezcla debe ser muy diluida. El color del papel debe ser claramente visible, esto es lo que hace al elemento brillar. Aun así, el blanco no se reconoce como blanco hasta que aparece el contraste. Hasta que no incorporamos colores más oscuros en el resto de la pintura, ese blanco pasa desapercibido. Es precisamente la relación entre ambos lo que hace que el blanco funcione.

Si te fijas en el siguiente dibujo, en el que he eliminado el fondo, verás que el lavabo se percibe demasiado oscuro. A pesar de haber intentado darle un aspecto sucio y envejecido, visualmente queda lejos de lo que entendemos como una gama de blancos.

Sin embargo, en el momento en que añado el fondo, todo cambia. El contraste entre el objeto y su entorno hace que, de forma casi inmediata, el lavabo empiece a leerse como blanco. No he aclarado el pigmento ni he modificado las sombras: lo único que ha cambiado es el contexto.

Este ejemplo demuestra algo fundamental en acuarela: el blanco no depende solo del color que aplicamos, sino de los colores que lo rodean. Es el contraste el que construye la percepción del blanco.

2. Temperatura del color

Incluso dentro del blanco existe la temperatura, y entenderla es clave para dar realismo a tus acuarelas. Como pauta general, suele funcionar utilizar mezclas ligeramente más cálidas en las zonas de luz y reservar tonos más fríos o profundos para las sombras. Este contraste sutil aporta volumen y evita que el blanco se vea plano.

Pero hay algo todavía más importante: el color del blanco depende directamente del color de la fuente de luz. Si la luz es blanca, los objetos blancos se percibirán blancos. Sin embargo, si la escena está iluminada por una luz de atardecer, esos mismos objetos tenderán a verse amarillentos o anaranjados.

Por eso, antes de empezar a pintar, conviene hacerse una pregunta clave: ¿de qué color es la luz? Una luz solar a mediodía es prácticamente blanca; una lámpara de interior suele aportar una luz cálida y amarillenta; mientras que una luz más fría, como la de un cielo nublado o la del fluorescente de una cocina vieja, puede llevar los blancos hacia tonos azulados.

Tener esto en cuenta marca una gran diferencia. No solo mejora la coherencia del color, sino que hace que el dibujo resulte mucho más creíble y convincente.

3. Grises vivos

Uno de los errores más comunes al pintar blancos es recurrir al negro para las sombras. El negro suele apagar la acuarela y restarle vida. En su lugar, resulta mucho más eficaz crear grises a partir de mezclas de colores de la propia paleta. Estos grises tienen variaciones sutiles que aportan profundidad y hacen que el blanco se perciba más natural y creíble.

Una forma sencilla de conseguirlos es combinar colores complementarios. Al variar la proporción de cada color, se obtiene una amplia gama de grises ricos y vibrantes, ideales para trabajar sombras y matices en objetos blancos en acuarela. Un ejemplo podría ser el amarillo ocre con el azul ultramar (utilizado en el dibujo de arriba), o el verde ftalo con el carmín de alizarina.

Pintar blanco en acuarela no solo consiste en dejar zonas vacías, sino en saber cuánto pintar y cuándo detenerse. Es una cuestión de control, observación y contraste. Cuando se domina, la luz deja de ser accidental y pasa a formar parte del lenguaje de la obra.

Nos vemos en la próxima.

Gracias.

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Si estás pensando en unirte a mi futura membresía de acuarela y aún no has rellenado el formulario, te agradecería muchísimo que lo hicieras. Tu respuesta me ayudará a crear un espacio realmente útil, adaptado a tus necesidades y del que todos podamos aprender y mejorar.

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Atte. Ander Watercolor

Si llevas tiempo leyendo esta Newsletter, ya sabes que una buena relación entre luces y sombras es lo que da vida a un dibujo. Pero el color también juega un papel fundamental y no podemos dejarlo en segundo plano.

La acuarela permite crear mezclas de color preciosas directamente sobre el papel, algo que otros medios no pueden replicar. Aun así, obtener mezclas realmente atractivas no es sencillo.

Seguro que alguna vez al mezclar tus colores se han “ensuciado” y has terminado con tonos apagados y poco interesantes. Esto no ocurre porque sí. Una de las causas más comunes es la excesiva variedad de pigmentos en tus mezclas.

Pero antes de avanzar, conviene aclarar algo básico: ¿qué es exactamente un pigmento?

Vamos por partes.

Introducción a los pigmentos

En acuarela, un pigmento es la partícula sólida que aporta color a la pintura. Está suspendido en una mezcla de aglutinante, generalmente goma arábiga, y otros aditivos que facilitan la fluidez.

Lo importante es que el pigmento no se disuelve en agua, sino que se dispersa: esa es la razón por la que la acuarela puede ser tan transparente, luminosa y vibrante.
La calidad de un color depende directamente de su pigmento: su pureza, su granulometría, su resistencia a la luz.

En resumen: un buen pigmento hace una buena acuarela.

Utilizar demasiados pigmentos:

En acuarela, menos es más. Mezclar colores con demasiados pigmentos distintos puede convertir una paleta brillante en un barro gris sin vida. Como regla práctica, trabajar con mezclas que involucren más de tres pigmentos suele ser el punto de quiebre donde el color pierde claridad y frescura.
Las mejores mezclas son limpias y luminosas, y eso se logra escogiendo colores con pocos pigmentos y trabajando con intención. Controlar tus pigmentos es controlar tus resultados.

Ahora, como sé yo cuantos pigmentos estoy utilizando?

Las acuarelas en tubo o en pastilla indican claramente cuántos pigmentos contiene cada color. Esa información, normalmente visible en la etiqueta o ficha técnica, es clave para elegir colores más limpios, estables y fáciles de mezclar.

Fíjate:

Este tubo corresponde al color Índigo, el cual este fabricante lo compone de azul de Indanthrone y negro de humo (PB60 + PBk6). Por tanto, este color ya contiene dos pigmentos.

¿La consecuencia? Que al mezclarlo con otros colores debes ir con cuidado. Si a esos dos pigmentos le sumas uno o dos más desde otra acuarela, enseguida te plantas en una mezcla cargada de pigmentos… y el riesgo de obtener un color sucio o apagado aumenta.

Este ejemplo muestra por qué es tan valioso conocer la composición de tus colores: no es un detalle técnico, es una herramienta para mantener tus mezclas limpias, vibrantes y totalmente bajo control.

Colores monopigmento

Los colores monopigmento son aquellos creados con un solo pigmento puro. Son los favoritos de muchos acuarelistas porque ofrecen lo mejor de lo mejor: colores más limpios, mezclas más predecibles y una viveza que los tonos multipigmento rara vez alcanzan.

Cuando trabajas con un monopigmento, sabes exactamente cómo va a reaccionar: no hay sorpresas, no hay barro, solo color auténtico y consistente. Por eso son ideales para crear paletas equilibradas y profesionales, donde cada mezcla mantiene su frescura.

Además, los fabricantes suelen destacar estos colores como parte de sus gamas premium: más calidad, más estabilidad y resultados más nítidos. Si buscas elevar tu acuarela, empezar a identificar y elegir colores monopigmento es uno de los pasos más inteligentes.

Fíjate en este otro ejemplo:

El tubo corresponde al color Ocre, que en este caso esta compuesto unicamente por el pigmento PY43.

En resumen: menos pigmentos, más control. Más control, mejores resultados.

Ahora te toca a ti. Revisa tu paleta y echa un vistazo a la ficha técnica de tus acuarelas. Si no la tienes a mano, puedes consultar la web del fabricante: ahí encontrarás toda la información que necesitas.

Cuando vayas a empezar tu próxima obra, ten presente un detalle clave: cuántos pigmentos estás a punto de mezclar. Ese simple paso puede cambiar por completo la claridad y calidad de tus colores.

Gracias por leerme hasta aquí.

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Atte.

Como ya he mencionado más de una vez desde que empecé a escribir esta newsletter, no existen atajos para progresar.

La práctica constante, consciente y con propósito es lo que te hace avanzar.

Sin práctica, es difícil que mejoren tus acuarelas.

Pero seamos sinceros: no siempre es posible practicar cada día.

Mantener una rutina constante no siempre es posible. El trabajo, la familia, los compromisos… La vida se mete por el medio, y de pronto pasan semanas sin que hayamos tocado los pinceles.

La buena noticia es que hay formas de seguir mejorando incluso cuando no tienes tiempo para pintar.

Estoy hablando de entrenar la mirada.

No requiere pinceles, ni papel, ni agua. Solo atención.

Y puedes hacerlo en cualquier momento del día.

Cambia el chip: observa como un artista

Entrenar la mirada es aprender a ver de verdad.

No se trata de mirar más, sino de mirar mejor.

Te pongo un ejemplo sencillo: las nubes.

Para saber pintarlas, primero hay que entender cómo se comportan. Si miras hacia el cielo, verás que las nubes más cercanas al cenit suelen ser grandes, sueltas y de formas impredecibles, mientras que, a medida que se acercan al horizonte, se vuelven más pequeñas y achatadas por efecto de la distancia.

La luz también transforma su aspecto: al mediodía las sombras se concentran en la parte inferior de la nube, y al amanecer se inclinan hacia el oeste.

Otro ejemplo útil: las sombras duras y las sombras suaves. ¿Cuándo conviene marcar sombras con un borde definido y cuándo es mejor difuminarlas? La respuesta está en observar tu entorno.

El tipo de sombra depende del tamaño del foco de luz. Si estás en una habitación iluminada por una vela o por el flash del móvil, verás sombras muy duras y contrastadas: el foco es pequeño y la luz llega de manera concentrada. Algo parecido ocurre en un día soleado: aunque el sol es enorme, desde nuestra perspectiva es un punto de luz pequeño, por eso proyecta bordes nítidos sobre el asfalto, los edificios y cualquier objeto.

En cambio, cuando la habitación se ilumina con focos grandes o con difusores —que actúan como un “agrandador” de la fuente de luz— las sombras se suavizan. En fotografía de estudio se usan justamente para eso.

En un día nublado, las nubes actuan como un difusor gigante: la luz se reparte, las sombras pierden dureza y, a veces, prácticamente desaparecen.

Te animo a buscar tu sombra en un día completamente cubierto: la luz está ahí, pero la sombra no se proyecta, sencillamente porque el “foco” es demasiado grande.

Cuando te acostumbras a observar así, ya estás pintando con los ojos, incluso sin tener un pincel en la mano.

Por qué esto importa

Todo lo que observas con atención deja una huella en tu memoria visual.

Y esa memoria es la que te guía cuando te sientas a pintar, ya sea frente a un paisaje real o una fotografía.

Una persona que entrena su mirada desarrolla reflejos visuales:

• Detecta proporciones con facilidad.

• Sabe dónde colocar luces y sombras sin pensarlo demasiado.

• Evita errores básicos antes de que ocurran.

En resumen: quien sabe observar, pinta mejor. Es así de simple.

Aprovecho para recordarte que estoy dando forma a una nueva membresía de acuarela diseñada para acompañarte en tu aprendizaje.
Será un espacio con propuestas, técnicas y recursos pensados para que puedas crear y avanzar a tu ritmo.
Si estás interesad@, completar este breve formulario me ayudaría muchísimo a adaptar el contenido a tus intereses y necesidades.

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Gracias

Atte:

Algunos días terminaba una obra y pensaba: “wow, esto sí que es un avance”.

Pero luego pasaban semanas enteras en las que, por más que lo intentaba, no conseguía resultados que me gustaran. A veces incluso sentía que iba hacia atrás.

¿Te suena familiar, verdad?

Desafortunadamente, esto es completamente normal. El aprendizaje nunca es lineal.

Avanzar, estancarse, retroceder… volver a avanzar. Así funciona.

Y aunque no podemos eliminar esos altibajos, sí podemos aprender de forma más inteligente. De esta manera conseguiremos empinar la curva de aprendizaje, o lo que es lo mismo, aprender más en menos tiempo.

Aquí entra el concepto de Smart Practice: practicar con intención, con método, y enfocando la energía en lo que realmente te hace mejorar.

Hoy te traigo los pilares que más me han ayudado a acelerar mi progreso :

1. Mantén una temática constante

Esto es algo de lo que cada vez estoy mas convencido. Saltar de un tema a otro cada semana, afecta negativamente a tu progreso.

Si estás trabajando en tus cielos y nubes, quédate ahí: practica degradados, húmedo sobre húmedo, combina pigmentos, analiza colores de referencia.

Cada ejercicio que haces dentro del mismo tema refuerza lo anterior.

Si hoy pintas nubes, mañana manzanas y pasado un retrato… tu aprendizaje se diluye. Así no conseguirás que los conocimientos adquiridos se asienten.

Enfócate. La repetición intencionada es lo que crea progreso real.

2. Anótalo todo

Sí, todo.

Cuando termines una obra, anota lo que salió bien, lo que no, los colores que funcionaron, los errores que no repetirías jamás.

Puedes hacerlo en un cuaderno o incluso detrás del propio dibujo.

Durante el proceso de pintar, la cabeza es un auténtico maremoto de emociones: dudas, entusiasmo, frustración, intuiciones que aparecen y desaparecen. En ese momento, todavía estás dentro del cuadro — y es precisamente ahí cuando puedes ver con claridad qué ha funcionado y qué no.

Una vez te despegas del dibujo, cuando el papel se seca y pasas a otra cosa, esa conexión emocional se disuelve. Lo aprendido sigue ahí, pero parte se diluye con el tiempo. Por eso anotar justo después es tan valioso: capturas el conocimiento mientras aún está vivo.

Tomar notas después de pintar te convierte en tu propio maestro, y cuando revises esas notas en unos meses verás tu evolución con mucha más claridad.

En otra Newsletter te hablaré sobre las ventajas de tener un diario de colores y mezclas — una herramienta sencilla que te permitirá estructurar tus ideas.

3. ¿Autodidacta?

Veo constantemente la frase “artista autodidacta” en descripciones de perfil en redes, pero… seamos sinceros:

Ver vídeos en YouTube o leer esta Newsletter ya es aprender de alguien.

Y eso está bien. De hecho, es lo ideal.

Creo firmemente que un guía o profesor te ahorra tiempo, frustración y te permite avanzar más rápido.

Un buen maestro detecta tus bloqueos y te da el empujón exacto que necesitas.

Así que busca tu guía: puede estar en YouTube, en Patreon, en la academia de tu barrio…

Estos son mis tres pilares para un aprendizaje más rápido, más efectivo y, sobre todo, más disfrutable.

Son los principios que intento aplicar cada vez que me siento frente al papel, y también los que quiero transmitir a quienes me acompañan en este camino.

Por eso estoy preparando una membresía de acuarela, un lugar donde pueda enseñarte de forma más cercana y donde podamos compartir procesos, dudas e inspiración.

Antes de dar el siguiente paso, me encantaría saber si te gustaría formar parte y qué te gustaría que incluyera. He preparado una breve encuesta para conocer tus intereses y tus ideas.

Te tomará solo un minuto y me ayudará muchísimo.

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Estaría infinitamente agradecido si la rellenas.

Muchas gracias por adelantado.

Con cariño,